ARTE Y MENTE

"¿Son más creativas las personas con algún trastorno mental? Jesús de la Gándara, jefe del Servicio de Psiquiatría del Área Asistencial de Burgos, proporciona datos y ejemplos para intentar responder esta pregunta. En su charla establece las relaciones entre arte y cerebro, aclarando que los tratamientos psiquiátricos no cambian a las personas ni afectan a su capacidad de imaginar. Conferencia impartida en 2006" Publicado por ivoox 

Ir a descargar

Grabado - Monotipo de témpera

Esta es una técnica que podríamos inscribir dentro de las artes plásticas. En concreto en el área de grabado, aunque con reservas, pues se pueden sacar hasta cinco estampas, no más. 

Sobre la misma base de metacrilato descrita en la entrada monotipo de acuarela , lijada levemente, lavada y seca, sin ningún otro tratamiento, pinto con témpera. En esta ocasión tengo la posibilidad de crear distintas texturas. Utilizando para ello pinceles de distintas durezas, objetos puntiagudos con los que dibujar sobre la témpera todavía húmeda, trapos con una trama suficiente para dejar marca, o cualquier cosa que se nos ocurra y con la que podamos presionar la base. Dejamos que la témpera se seque completamente. Una vez seca, le incorporamos tinta de grabado con un rodillo, pero solo una pasada que cubra toda la superficie del metacrilato. Posteriormente se mete el metacrilato debajo de un chorro fino de agua. Esto hace que en ciertas zonas salte la tinta que es al aceite y está sobre témpera que es al agua. No se debe abusar del lavado, pues perderíamos el dibujo. Se deja secar y se estampa sobre papel de grabado húmedo, con ayuda del tórculo. La estampa resultante es sorprendente, tiene apariencia de piedra. Se pueden sacar 3 ó 4 estampas cada una con una intensidad diferente. Si la primera sale oscura, se hace una segunda que saldrá mucho mejor. Se parece al falso grabado, pero el resultado es más llamativo y espectacular. Sobre el falso grabado hablaré en una próxima entrada. Y para finalizar me gustaría que si probáis la técnica y os sale algo chulo me lo enviéis a mi correo para que lo publique en el blog. Sería magnífico. Ala, a trabajar. 

Miguel Ángel, un genio

Este audio es la biografía de Miguel Ángel Buonarroti. Es muy interesante y muy bien explicado.

Grabado - Monotipo de Acuarela

Os quiero explicar como realizar un monotipo con acuarela. Queda muy atractivo. Es diferente a una acuarela propiamente dicha, porque se utiliza el tórculo y esa fuerza le da un carácter totalmente distinto. Podríamos inscribirlo en el área del grabado, pero solo obtenemos uno de cada, como su propio nombre indica “monotipo”. A veces conseguimos 2 ó 3 estampas, cada vez más suaves de colorido. Pues bien, comienzo con la explicación:

1. Adquirimos una plancha de metacrilato de unos 2 mm, que nos va a servir como base para realizar el monotipo.
2. Lijamos la cara sobre la que vamos a trabajar, con una lija fina.
3. Lavamos la plancha con agua y jabón para quitarle el polvo que se ha producido, y secamos bien.
4. Le pasamos una fina capa de goma arábiga con un pincel.
5. Hacemos una mezcla de cola Wepel (cola para empapelar las paredes) y agua, mitad y mitad.
6. Preparamos dos recipientes uno con la cola diluida y otro con agua clara para limpiar los pinceles.
7. Si queremos copiar una imagen la ponemos debajo del metacrilato que es transparente.
8. Ya podemos pintar, mojando el pincel primero en el agua con cola y seguidamente en las pastillas de acuarela. Es aconsejable hacer los colores bastante saturados, pues luego cuando pasan al papel pierden intensidad. También podemos utilizar lápices acuarelables.
9. Dejamos secar la acuarela.
10. Estampamos en papel para grabado húmedo, tras haber retirado el exceso de humedad con papel secante.
11. Cuando acabamos con la estampación, lavamos la plancha y la podemos volver a utilizar. 

La muerte de Marat

Un día como este de 1793 fue asesinado Jean Paul Marat. Este suceso, a estas alturas de la historia, habría sido olvidado por la mayoría de nosotros, si no hubiera sido inmortalizado en la pintura que de este suceso hizo el formidable artista neoclásico llamado Jacques – Louis David. Marat era médico, periodista, político y activista durante la Revolución Francesa. Fue un hombre de izquierdas, despreciado por aristócratas y burgueses, y adorado por sus partidarios. 

Fue apuñalado por Charlotte Corday, que era seguidora de sus enemigos políticos, los girondinos. Murió en su bañera, mientras trataba de aliviarse de unos terribles picores que sufría por una enfermedad que tenía en la piel. Allí mismo trabajaba, recibía a las personas que iban a verlo, .. , y allí también, tranquilamente escribía la lista de las personas que serían próximamente ejecutadas por atentar contra el Estado.  

En el cuadro podemos ver el puñal ensangrentado tirado en el suelo. En primer término vemos un cajón de madera sobre el que escribía, que nos hace pensar en una lápida funeraria. Sobre el cajón está la tinta, papel, pluma y dinero. El dinero iba destinado a una mujer que tenía a su marido en guerra. Con esto David quiere resaltar la humanidad de su amigo Marat. En una mano agonizante sostiene una pluma, en la otra un papel que dice "13 de Julio de 1793". De Marie Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat: la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra amabilidad...", es la nota que presentó la asesina a Marat para que fuera recibida. El artista era buen amigo de Marat y por ello retrató la muerte de un héroe, que era como lo veía él. Esta obra se realizó en tan solo cuatro meses y es considerada una de las mejores de David. Está pintada de manera muy sobria, mostrando lo esencial del suceso, esto le da mayor dramatismo.

Cómo fotografiar una obra de arte - color

En una entrada anterior pinchar aquí hablamos sobre cómo iluminar una obra de arte para conseguir una fotografía correcta. Lo siguiente es conseguir que los colores de la reproducción del cuadro sean lo más parecidos a los colores reales del cuadro. Para ello damos los siguientes pasos:

1º - Colocamos una carta de color sobre el cuadro y fotografiamos el cuadro y la carta de color juntos, siguiendo las recomendaciones sobre la iluminación.

2º - Reproducimos la imagen en el Photoshop. Trabajamos en RGB. Las coordenadas del color rojo en su estado puro son: rojo 255, verde 0, azul 0. Las del verde puro son: rojo 0, verde 255, azul 0. Y las del azul puro son: rojo 0, verde 0, azul 255. Las del blanco son: 255, 255, 255. Y finalmente, el negro es; 0,0,0.

3º - Utilizamos la herramienta “cuentagotas” para conocer los valores de los colores (rojo, verde, azul, blanco y negro) en cada celdilla de la carta de color en mi imagen, pues como he dicho antes, la carta de color se fotografía con el cuadro. Y en esa imagen fotografiada los colores ya no son puros como en el original. Comprobamos que los valores cambian dependiendo del lugar de la celdilla en que utilice el cuentagotas, o sea, que el color de la celdilla del rojo no es homogéneo, ni las otras.

4º - Seleccionamos la celdilla y utilizamos “filtro – desenfocar – promediar” y así los valores son iguales en toda la celdilla.

5º - Seleccionamos la herramienta muestra de color y pinchamos en la celdilla. Al hacer esto sale la información de los valores RGB de la celdilla que hemos pinchado.

6º - Seleccionamos “imagen - ajustes - corrección selectiva - absoluto”, seleccionamos el color a cambiar, y vamos moviendo las flechas de cada color. Comprobamos que la información RGB va cambiando los valores. Si estamos en rojo, tratamos de acercarnos a 255, 0, 0.

7º - Para pasar a la siguiente celdilla hay que borrar la muestra de color para poder seleccionar la siguiente celdilla. Hacemos lo mismo en las celdillas rojo, verde, azul, blanco y negro. Aproximamos lo más posible los valores a los estándares.  

Los colores de la carta de color de la fotografía han cambiado y también los del cuadro, aproximándose a los colores reales. 

Espero que os sirva. En todo caso si existe otro método más sencillo o más exacto os pido que me lo comentéis.  

Cómo fotografiar una obra de arte

A veces, dedicamos muchas horas para realizar un cuadro, y al final, arruinamos nuestro trabajo a la hora de fotografiarlo. La imagen resultante aparece con un fogonazo del flash, tiene zonas demasiado oscuras y otras demasiado claras, y los colores no se parecen en nada a los reales. Cuando es necesario reproducir esas obras, para un catálogo, para enviarlas digitalmente a un concurso, para mostrarlas en un blog, necesitamos o un profesional, o hacerlo nosotros mismos siguiendo unas sencillas instrucciones, no es necesario tener una cámara con prestaciones superiores. Lo ideal sería realizar la fotografía en un estudio fotográfico, o en todo caso, en un interior y situar el cuadro sobre un fondo negro. Seguidamente os muestro un dibujito en el que explico el tema de la iluminación.

La x se refiere a la longitud mayor del cuadro.

1º .- Hay que buscar el eje óptico, que es el eje ficticio que va desde el centro del cuadro a 90º.

2º.- Colocamos dos focos que sean de las mismas características y los situamos a una distancia igual a 2 ó 3 veces la distancia x. Deben formar un ángulo de 30 a 45 grados respecto al cuadro. Los dos focos producen un círculo que tendrá una iluminación uniforme.

3º.-  Medimos la luz. Se puede medir con un pedazo de pantalón vaquero que tiene los tonos ni claros ni oscuros. O usamos una carta gris profesional. Mido la luz en el centro y en las esquinas, y compruebo que los valores son los mismos.

Así podríamos disparar, sin necesidad de flash ni de luz natural. El tema de iluminación estaría subsanado.

En una próxima entrada os hablaré de cómo conseguir que el color de la reproducción del cuadro sea lo más parecido al color del cuadro real.

Increible lo que se puede hacer con un iPad

Esto de la tecnología va muy deprisa, pero es alucinante.