13 de abril de 2014

LA FLAGELACIÓN DE PIERO DELLA FRANCESCA

En esta entrada voy a mostraros el suelo del cuadro La flagelación de Piero della Francesca.



suelo de la Flagelación de Piero della Francesca
Suelo de La flagelación de Piero della Francesca


La flagelación de Piero della Francesca
La flagelación de Piero della Francesca


Su autor, Piero della Francesca, nació en la Toscana (Italia) en 1416 y fallecido en 1492. Fue pintor del Quattrocento, que dominó la técnica de la perspectiva y el claro oscuro. Si queréis leer más sobre el autor podéis visitar este enlace de artehistoria, si lo que os interesa es la obra, este otro


El cuadro de La Flagelación es un óleo sobre tabla de 59 x 81 cm que nos muestra la flagelación de Cristo. La figura de Jesús está alejada para así trabajar la perspectiva. En el primer plano se sitúan tres personajes. La escena es una acción paralizada en un momento.

Pero a mi lo que me interesa es mostraros el suelo donde se desarrolla la escena principal, la flagelación de Cristo.



Suelo de la Fragelación de Piero della Francesca
Suelo de la Flagelación de Piero della Francesca

Jesús está delante de la columna central. Podemos ver un poco de suelo delante y detrás.

Me parece interesante comprobar como los artistas dedicaban mucho tiempo en recoger detalles de la realidad. Piero della Francesca podría haber simplificado esta parte, sin embargo la recoge fielmente.

Quiero dar las gracias a Pedro Leal, que ha sido quien ha averiguado la forma del suelo y la ha dibujado.

 

14 de febrero de 2014

CANDICE BREITZ

Esta artista trabaja sobre los iconos de la cultura mediática contemporánea. Utiliza el cine comercial, las series de televisión y los vídeos musicales, para realizar sus montajes fotográficos y vídeo instalaciones. Reorganiza las imágenes originales, destruyendo la corriente narrativa de los filmes, exagerando los cortes y desconectando los fotogramas. El resultado sorprende a pesar de que utiliza imágenes muy familiares.

Jack Nicolson

Candice Breitz

Jack Nicolson
Trabaja con el cine de Hollywood y con la música pop, utilizando voces y rostros del subconsciente visual occidental, para que el espectador lo reconozca y pueda identificarse con el resultado. Reflexiona sobre los efectos reales de la cultura del entretenimiento de masas, en concreto audiovisual, cargada de proyecciones e identificaciones. Reconstruye esa información, la descontextualiza y nos ofrece nuevos significados más emotivos y directos. Su obra se escenifica como un psicodrama donde podemos identificarnos. En su investigación estética es fundamental la comunicación.

27 de mayo de 2013

CÓMO DIBUJAR LA CABEZA

En una entrada anterior os hablé de uno de los libros de Andrew Loomis, "Disfrutando con el lápiz". La primera parte del libro nos enseña como dibujar una cabeza humana. 
En una de sus imágenes dibuja una esfera y le corta los laterales por la zona de las orejas. Divide la esfera colocando la línea del centro, como si fuera un meridiano y la linea del ecuador en la que se sitúan las cejas.
Dibujar la cabeza humana Andrew Loomis
En esa imagen vemos la incorporación de la mandíbula inferior, la boca queda en la parte final de la esfera vista de frente. Las orejas  tienen como referencia las cejas y la nariz de frente y de perfil utilizan como referencia el punto de intersección entre las líneas horizontal y vertical.
Dibujando la cabeza humana Andrew Loomis




Os dejo unos tutoriales de como dibujar la cabeza humana. El autor del vídeo sigue las instrucciones de Loomis.


19 de mayo de 2013

DISFRUTANDO CON EL LÁPIZ - ANDREW LOOMIS

Aprender a dibujar desde cero, divirtiéndonos, guiados por un profesional del que han bebido muchos autores y manuales, es lo que os propongo. Independientemente del nivel de habilidad y preparación que uno tenga en el arte del dibujo, este libro Fun with a pencil de Andrew Loomis, ayuda mucho. Comienza dibujando la cabeza, sigue con la estructura del cuerpo, la vestimenta, los escenarios, con un buen estudio de la perspectiva. Es muy divertido porque al ser publicado en el año 1939, los personajes que nos muestra son americanos típicos de aquella época, con sus vestimentas y sus sombreros de entonces.
En estos días lo estoy retomando. He de confesar que hace unos años que lo comencé a seguir, pero lo dejé, (estaba demasiado ocupada o no era mi momento), y ahora lo estoy disfrutando, como dice el título. Os muestro uno de mis ejercicios del libro. Y os animo a entrar en el enlace que os propongo. Ya me contaréis. 

tortazo ejercicio Andrew Loomis


31 de marzo de 2013

ROUSSEAU Y LA ESCUELA DE BARBIZON



La Escuela de Barbizón fue un grupo de pintores franceses que se juntaban para pintar. Como tal escuela no se formó oficialmente, ni hubo intención entre esos artistas de formar una escuela. Pero se les conoce así porque formaron un grupo que solía acudir a los parajes naturales del pueblo de Barbizon, para pintar al aire libre.

En lo que coincidían todos era:
  • Querían revelar la riqueza del paisaje local.
  • Buscaban captar los cambios en ese paisaje, luz, atmósfera. Siempre en contacto directo con la realidad. Haciendo pintura al aire libre. La pintura se comenzaba y acababa allí. Por eso las pinturas son sueltas y rápidas.
  • Querían representar la naturaleza de la manera más objetiva y científica posible.
  • Estaban atentos a las investigaciones que paralelamente se estaban realizando sobre la luz, el color, el ojo humano, la retina.
  • Aunque eran enfoques realistas no perdían del todo el lirismo.
  • Eran obras bastante serenas, armónicas, equilibradas, tranquilas.
  • Contaban con un bagaje anterior en la pintura del siglo XVIII y con la obra de los ingleses Constable y Turner .

Rousseau (1812 – 1867) fue el guía del grupo. 

Paisaje Rousseau
Sus obras tenían una gran influencia de Constable. Solía utilizar un punto de vista bajo, para darle más monumentalidad al paisaje. Sus imágenes eran de gran amplitud, grandes llanuras, grandes bosques. Le gustaba darle protagonismo al árbol. Suelto, rápido, y con pinceladas cortas. Su forma de trabajar nos acerca al impresionismo. Algunos pintores de la Escuela de Barbizon fueron maestros de algunos impresionistas.

Paisaje Rousseau

13 de marzo de 2013

HABEMUS PAPAM

Retrato de Inocencio X de Diego Velázquez


San Gregorio de Francisco de Goya

Inocencio X de Francis Bacon



Alejandro VI


Santo Tomás y Urbano IV

Julio II de Rafael

León V de Rafael

Pablo III de Tiziano


Benedicto XVI lleva un retrato de Juan Pablo II, en el 2006. MAX ROSSI | REUTERS

27 de febrero de 2013

COROT

Jean Baptiste Camille Corot nació en 1796 en París y murió en 1875 en París. Fue un pintor francés paisajista encuadrado en el Realismo francés, que influyó mucho en los impresionistas. 
Procedía de una familia bastante acomodada, por lo que no necesitaba trabajar para ganar dinero. Por eso su pintura era bastante libre. Fue autodidacta aunque trabajó con una serie de maestros paisajistas, formó parte de la Escuela de Barbizon y también se dedicó a viajar y a conocer paisajes. Visitó Europa, pintó muchas escenas de Italia, en concreto de Nápoles, Roma y Venecia, descubriendo en ellas la luz mediterránea. 
A Corot le gustaba el contacto directo con la naturaleza, es decir, pintar del natural al aire libre. Le interesaba captar los cambios en el paisaje, el movimiento, la inestabilidad de la naturaleza, las vibraciones de luz. Jugaba con los empastes, con las manchas de color. Su trabajo era muy suelto, abocetado, con gran libertad en las pinceladas para transmitir vida. 

Vista del foro del Corot
Vista del foro de Corot

Esta es una vista del foro romano desde los jardines de Farnesio. Pintado al aire libre. Y las siguientes son dos vistas del Castillo de Sant Angelo en Roma.



Castillo de Sant Angelo de Corot
Castillo de Sant Angelo de Corot

Los paisajes de Corot aún siendo objetivos son intensamente emotivos. 

La catedral de Chartres de Corot
Catedral de Chartres de Corot

También tiene una serie de paisajes más líricos donde juega con la fantasía, introduciendo figurillas de sátiros y ninfas. Pinta desnudos aunque es más conocido por sus paisajes.

Ninfa recostada de Corot
Ninfa recostada de Corot

Trabajó al final de su vida sobre el tema de la mujer. Imágenes de una gran belleza y simplicidad. Escenas serenas, en las que la mujer no parece posar sino haber sido descubierta en un momento de intimidad, como si fuera una instantánea fotográfica.

Muchacha peinándose de Corot
Muchacha peinándose de Corot
Estas obras intimistas van a influir en Toulouse Lautrec.

18 de febrero de 2013

JEAN FRANCOIS MILLET


Pintor realista francés que nació en 1814 en Gruchy, en la Normandía, Francia. En 1839 se trasladó a París donde trabajó en el taller de Paul Delaroche y frecuentó el Louvre. En 1849 se fue a vivir al campo, a Barbizon, donde volvió  a tomar contacto con el ambiente rural y con una serie de pintores que formaban la Escuela de Barbizon. Estudió las composiciones con la naturaleza como escenario y colocó a los campesinos de forma natural, dándoles monumentalidad, convirtiéndolos en héroes. Quiso mostrar la grandeza del trabajo de los campesinos, frente a la vida en la sociedad industrial.
En sus composiciones utiliza grandes perspectivas. Disuelve los contornos de las figuras. Busca la belleza en la realidad rural alejándose del academicismo, lo que le trajo críticas por parte de la escuela oficial.  Sus obras transmiten serenidad, fraternidad, nobleza, incluso espiritualidad. Este autor influirá mucho en Van Gogh.
Murió en 1875.

El Ángelus
El Ángelus

Millet nos muestra a una pareja de campesinos que han interrumpido su trabajo por el sonido de las campanas anunciando el Ángelus y están orando. Es un cuadro con un horizonte profundo. Las figuras están en el primer plano y no se comunican entre si. Los volúmenes tienen una fuerte presencia. Es una obra cargada de gran lirismo, y espiritualidad. Las pinceladas son gruesas y sueltas y los colores son tierras.

Las espigadoras de Millet
Las espigadoras

Este cuadro muestra a tres mujeres recogiendo la cosecha. Al fondo se ve la carreta, un rebaño y algunas casas. Amplia perspectiva, en la que trabaja la luz muy bien, utiliza colores ocres y amarillos. Este cuadro provocó una gran polémica por parte de académicos y burgueses, porque narra la vida sencilla de las trabajadoras del campo y las ennoblece.

14 de febrero de 2013

VENUS AFRODITA DIOSA DEL AMOR Y LA BELLEZA


Venus es la diosa romana del amor y de la belleza, Afrodita es su equivalente griega, la más hermosa de todas las diosas. Se asocia con las palomas, los cisnes, las flores y los frutos.

El nacimiento de Venus de Cabanel
El nacimiento de Venus de Cabanel
Según Homero, Afrodita nació de forma normal de Zeus y de Dione, ninfa del mar.
Pero según Hesíodo el nacimiento de Afrodita fue más complicado. Cronos cortó los genitales de su padre Urano y los arrojó al mar. El esperma de Urano se mezcló con el mar y nació Afrodita como una diosa adulta.
Botticelli pintó la escena del nacimiento de Venus.

Nacimiento de Venus de Botticelli
Nacimiento de Venus de Botticelli

Venus sale del mar desnuda de pie sobre una concha. Unos dioses alados soplan para empujarla a tierra, donde la espera una ninfa con un manto para cubrirla. Hay una lluvia de flores.

Nacimiento de Venus de Bouguereau
Nacimiento de Venus de Bouguereau

Venus llegó primero a la isla de Chipre. Después, acompañada por Eros e Himeros, se presentó ante la asamblea de los dioses. Muchos de los dioses, fascinados por su belleza, pidieron su mano. Afrodita escogió a Hefestos, dios de los artesanos. Afrodita y Hefestos no tuvieron hijos. Su matrimonio puede representarse como la unión de la belleza y de la artesanía, de la cual nació el arte.

Venus de Cnido de Praxiteles
Venus de Cnido de Praxiteles

Afrodita tuvo amantes. Uno de ellos fue Ares, dios de la guerra, con el tuvo varios hijos: una hija Harmonía (Armonía), y dos hijos, Deimos (Terror) y Fobos (Miedo), que acompañaban a su padre en las batallas.

Venus del espejo de Velázquez
Venus del espejo de Velázquez

Otro de sus amantes fue Hermes, el mensajero de los dioses, que guiaba a las almas al mundo subterráneo. Con el tuvo a Hermafrodito, bisexual, que heredó la belleza de sus padres, llevaba el nombre de ambos, y tenía las características sexuales de los dos.

Venus consolando a Cupido picado por una abeja de West
Venus consolando a Cupido picado por una abeja de West

Eros o Cupido, dios del amor, fue otro de los hijos de Afrodita.

Venus de Urbino de Tiziano
Venus de Urbino de Tiziano

La diosa del amor y de la belleza también tuvo muchas relaciones amorosas con hombres mortales.

Venus de Milo
Venus de Milo

11 de febrero de 2013

HONORÉ DAUMIER REALISMO FRANCÉS

Honoré Daumier fue uno de los principales representantes del Realismo francés. Destacó en muchas disciplinas, dibujante, grabador, escultor, pintor. Nació en 1808 y falleció en 1879.
Daumier se interesó desde muy joven por el dibujo. En 1815 se fué a vivir a París. Con doce años comenzó a trabajar primero en la oficina de un escribano y posteriormente en una librería del Palais Royal cerca del Louvre. Frecuentaba el museo y se interesó por el dibujo. Comenzó a trabajar como ilustrador editorial utilizando la litografía y el grabado, en la revista La Caricature, y en los diarios Le Charivari y Silhouette.  En estos periódicos Daumier realizaba caricaturas políticas. Realizó más de 4000 litografías. Algunas de esas obras le costó la cárcel, porque Daumier era republicano y  a veces atacaba al rey en sus ilustraciones. Su obra gráfica es muy expresiva y de una gran calidad técnica, trabaja muy bien los grises. Daumier realizó también caricaturas de costumbres.
Decidió pintar. Para ello se formó de forma autodidacta estudiando las grandes obras del Louvre. Se interesó por Rubens, la escuela española, en concreto Goya, y algunos maestros franceses.
Las pinturas de Daumier son muy expresivas. Utiliza una línea de contorno negra que destaca las figuras y les da fuerza. Su pincelada es fluida y suelta. Utiliza colores ocres, sienas, tierras, con tendencia al monocromatismo. Trabaja con formas muy sencillas.
Los temas que utiliza en sus obras están sacados de la literatura, de la vida cotidiana, comprometidos con la sociedad en la que vive, trata las diferencias sociales, los problemas de los trabajadores.

Imagen Don Quijote Daumier
Don Quijote Daumier

La obra Don Quijote de Daumier está influenciada por su trabajo previo de litógafo. Tiene un estilo muy personal. Muestra un trabajo con apariencia de inacabado, como abocetado.

Imagen del vagón de tercera de Daumier
El vagón de tercera Daumier

En El vagón de tercera Daumier nos muestra la diferencia entre la clase trabajadora y la más alta. Es una obra muy monocroma.

imagen Crispin y Scapin de Daumier
Crispín y Scapin Daumier

En la obra Crispín y Scapin Daumier trata temas del espectáculo, que posteriormente utilizará el impresionismo. Juega con la luz, la expresividad, las líneas de contorno.

imagen Pierrot cantando Daumier
Pierrot cantando Daumier

En la obra Pierrot cantando, Daumier nos muestra un trabajo suelto y de pincelada muy libre.

imagen la lavandera Daumier
La lavandera Daumier

En La lavandera este genio del Realismo francés, nos presenta a una mujer trabajadora con su hija. Nos muestra la austeridad y dureza del fondo de la gran ciudad.

imagen Ecce homo Daumier
Ecce homo Daumier

En la obra Ecce homo Daumier muestra el momento en el que sacan a Jesús y lo ofrecen al pueblo para que este elija entre él y Barrabas. Trabaja con gran simplicidad. La escena está dividida en dos partes: primer plano de la masa anónima y segundo plano de Jesús. Esta obra trata sobre la justicia social. Brochazos de gran expresividad. Ensor va a partir de aquí.

29 de enero de 2013

GUSTAVO COURBET REALISMO FRANCÉS


Courbet nació en Ornans (Francia) en 1819 y murió en 1877.
Fue el pintor más destacado del Realismo. Hijo de una familia terrateniente muy apegada a la tierra, con fuertes ideales democráticos y jacobinos. Courbet mantuvo contacto con los pensadores e ideólogos que se identificaban con la causa obrera.
Tenía grandes dotes para el dibujo desde joven. No le interesaba la enseñanza oficial, por lo que se alejó de los canales oficiales. Se trasladó a París para estudiar Derecho, pero inmediatamente se centró en la pintura.
Courbet estudió minuciosamente las obras de los grandes maestros que se exponían en el Louvre. Copió obras de los holandeses, flamencos, venecianos, fundamentalmente barroco. Estaba muy interesado por Rembrand, Hals, Ingres, Delacroix y Géricault y por los españoles Zurbarán, Ribera, Murillo y por supuesto Velázquez.
Viajó por Bélgica y Holanda estudiando la pintura de género. 
Sus primeras obras, las realizó cerca de su aldea natal. Courbet realizó una serie de retratos y autorretratos muy importantes por su calidad.
Autorretrato con un perro negro Con esta obra se dió a conocer. Utilizó pocos colores y un gran contraste. Destaca el rostro.

Imagen de la pintura autorretrato con un perro negro de Courbet
Courbet - Autorretrato con un perro negro



Imagen de la pintura El hombre herido de Courbet
Courbet - El hombre herido

Imagen de la pintura El hombre de la pipa de Courbet
Courbet - El hombre de la pipa

A través de los autorretratos mostró su autobiografía.
Courbet se instaló en París, donde frecuentaba algunas cervecerías y cafés donde se reunían escritores, pintores, y otros artistas. Sus tertulias sobre realismo y socialismo utópico, tendrían una gran repercusión en la sociedad del momento. Asistió a los acontecimientos revolucionarios de 1848 , que lo marcan bastante. 
A partir de entonces empezó a exponer en los salones. Sus temas eran una crónica de lo cotidiano, imágenes que él no idealizaba, que no juzgaba. Pretendía mostrar la realidad como era.

Imagen de la pintura Los picapedreros de Courbet
Courbet - Los picapedreros
La pintura Los picapedreros dio mucho que hablar en el salón de 1850, porque era una escena dura que mostraba a dos personajes anónimos en primer término, haciendo su trabajo con dignidad, y era una novedad mostrar a las clases más desfavorecidas. Es una obra muy grande, de gran presencia. En ella Courbet mostró un trabajo de gran fuerza (picapedrero) y lo expresó con la materia, la textura, espátula, para darle a la superficie mucha fuerza y vigor. Los colores terrosos, parecen demasiado sobrios, pero acompañan al tema.  

Imagen de la pintura Entierro en Ornans de Courbet
Courbet - Entierro en Ornans

La obra Entierro en Ornans fue muy polémica. Es un cuadro enorme de casi 7 metros de largo, donde muestra una escena de costumbres. Es un entierro hecho con figuras casi de tamaño natural, que a modo de friso los espectadores veían casi a su altura. Presentaba una galería de retratos, eran personajes reales, vecinos de distintas posiciones sociales que asisten al entierro y el hoyo en primer plano. Juega con el color: negro, rojo, blanco, para mover un poco más la escena.

Imagen de la pintura El taller de Courbet
Courbet - El taller

El taller es un enorme lienzo que Courbet iba a realizar para la exposición universal de París de 1855. Preparó un lienzo que pretendía ser un resumen de lo que era su trabajo. Es un trabajo de 6 x 3,5 metros donde el pintor divide la escena en tres partes. En el centro está Courbet pintando un lienzo de paisaje rodeado por un niño que alude a la inocencia y una modelo. En la parte derecha de la obra aparecen una galería de personajes: retratos de amigos, mecenas y personas que lo apoyaron y compartieron sus ideas. A la izquierda figuran todos los temas de su pintura: trabajadores, mendigos, crucificado,...
Este cuadro fue enviado a la exposición junto a otros 12 lienzos, entre los que estaba El entierro; y los admitieron todos menos El taller y El entierro. Courbet no aceptó esa situación y montó un pabellón paralelo bajo el titulo de Realismo, donde mostró su obra y publicó un catálogo donde escribió un texto que es el primer manifiesto del realismo.


Imagen de la pintura Muchachas a la orilla del Sena de Courbet
Courbet - Muchachas a la orilla del Sena
La obra de Courbet Muchachas a orilla del Sena escandalizó un poco, porque muestra a dos mujeres que están en la siesta de forma vulgar. Es una escena muy cotidiana y habitual en la pintura de los impresionistas.
A pesar de haber sido un pintor polémico recibió importantes premios. 

22 de enero de 2013

JEAN BAPTISTE CARPEAUX

Carpeaux fue un escultor francés, con muchos elementos romáticos, además de barrocos. Nació en 1827 y murió en 1875. Fue discípulo de Francois Rude y heredó bastantes elementos románticos de él.
La técnica de Carpeaux era realista, se centró en los personajes de la vida cotidiana, apartándose del arte clásico de la academia. Sus trabajos son muy cuidados. Le da mucha importancia al claro – oscuro, al juego de luces, al movimiento. Juega con distintas texturas con gran sensibilidad. Intentó utilizar las posibilidades expresivas de la pintura en la escultura. Realizó altorrelieves de gran belleza.

Imagen de la obra La danza de Carpeaux
La danza
La danza es un relieve que está situado en la fachada de la Ópera de París. Dedicado a la danza, representa el baile de unas ninfas alrededor de un genio alado. Es una escena muy decorativa que muestra, en los rostros y los gestos, alegría y placer de vivir. Carpeaux trabaja esta obra con gran naturalidad, la composición es muy dinámica.

Imagen de la obra Ugolino y sus hijos de Carpeaux
Ugolino y sus hijos
Ugolino y sus hijos es una obra muy dramática y expresiva, que representa la tragedia de Ugolino. Este fue condenado a morir de hambre en prisión junto a sus hijos y nietos. La obra nos recuerda a El Laoconte, de la cual se inspira, además de en el infierno de Dante. El autor también fue un admirador del Miguel Ángel, la potencia física de la figura de Ugolino nos recuerda la obra de Miguel Angel: el claro – oscuro, la expresión del rostro. Trabaja esta obra como un boceto, dejando la huella del modelado en la obra final. Gustó mucho en su época, en consecuencia se hicieron muchas maquetas pequeñas para venderlas.
Rodin se inspiró en esta obra para realizar su pensador.

Imagen de la obra Niño cogiendo una caracola de Carpeaux
Niño cogiendo una caracola
En Niño cogiendo una caracola, Carpeaux nos ofrece una obra llena de espontaneidad y naturalidad. Representa a un muchacho desnudo escuchado una caracola con aspecto burlón. La rodilla apoyada, los brazos sosteniendo la caracola, provocan un movimiento, que permite una visión de la escultura dinámica.  

La obra El príncipe imperial y su perro Nero, me parece especialmente buena, pero de ella no tengo imágenes. Les recomiendo que la disfruten visitando el Musée d'Orsay.

Carpeaux influyó mucho en autores del siglo XIX y XX.

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